This book is part of the TouchART Artists series which surveys the work of contemporary Asian artists who have been active in Korea, Japan and China.  Moon Garden (2007-2008) is Kim Heryun latest series, but also reproduced in the catalogue is her series Over the River (2004-2005).  A chronology with thumbnails of Kim Heryun's works from 1992 through 2008 are included in the end of the catalogue with her full exhibition history. 












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artist monograph

Heryun Kim : Moon Garden 

김혜련 지음 | 터치아트 | 2008년 11월 10일 출간

17세기 검은 그림의 와중에 참으로 기괴하고 재미있게 기억에 남는 장면은 스페인 공주의 옷이었다. 마그리트 공주, 그 부풀려진 치맛자락을 어린 나이에 힘겹게 받치고 왕족다운 위엄을 배우며 화가 앞에서 포즈를 취하고 있는 그 포물선이 의미하는 것은 무엇일까? 확실한 허세일까? 오렌지 빛, 한라 봉을 그릴 때도 나는 이 춤을 표현하고 싶었다. 어둠 속에서 추는 춤, 윤곽이 만들어내는 기쁨, 그래서 한 번 사는 것은 눈부시게 아름다울 수 있는 것같이.


Lingering in my memory in a truly strange and interesting way amid all the black paintings of the 17th century is the image of the clothes of the infanta of Spain. The Infanta Margarita: what could be the meaning of the parabola as she struggles in her young age to hold up the swollen trail of her skirt, assuming a regal dignity as she poses in front of the painter? Could it be a show of certainty? I wanted to express this dance even as I painted the color orange or Hallabong. A dance in the dark, the pleasure created by contours, so that it would seem like living just once could be dazzlingly beautiful.


"흑암이 깊음 위에 있고(창세기 12)" 모든 것을 덮어주는 색, 칠하고 또 칠해도 온기가 느껴지는 색, 파란색보다 더 어두운데 더 따뜻하게 느껴지는 색, 검은 색은 나에게 무채색이 아니다. 감정을 싣고 감성을 전달하고 그 누군가의 눈을 통해 영혼의 빛을 비로소 예감하게 하는 희생어린 색이다. 칠흑 같은 어두움에 단 한 줄기 붉은 선이 스쳐간다. 맑고 여린 노란 빛이 지나간다. 그리고 흘러내린다. 어두움이 있어 색이 살아나는 것이다.


“And darkness was upon the face of the deep” (Genesis 12) The color that covers everything, the color that feels warm no matter how much you paint it, the color that is darker than blue yet feels warmer-black is not colorlessness to me. It is a self-sacrificing color that carries emotions, communicates feeling, and allows the eye of viewer to foresee the color of the soul for the first time. A single red streak grazes across pitch blackness. Clear and delicate yellow passes by and flows down. The colors survive because there is darkness.

세속의 왕은 금은보화로 된 왕관을 쓴다. 파리 루브르 궁전이나 로마 바티칸 궁전에서 보여주는 화려하고 값비싼, 정교하다 못해 바라보기에도 질려버리는 그런 복잡한 왕관을 쓰려고 애쓴다. 침략하고 정복하고 군림하고 억압하고 통제해야만 버틸 수 있는 자리, 그 욕망의 표상 말이다. 그런데 나는 월계수로 이루어진 머리관이, 꽃으로 이어놓은 화관이, 가시나무로 매어진 왕관이 참된 왕관이라고 생각한다. 노예들의 죽음을 환호하는 왕관이 아니라 자연과 순응하는, 생명에 경배하는, 별들에게 감사하는, 꽃으로 엮어진 왕관, 바로 진정으로 당신을 칭찬하는 축제, 그것을 그리고 싶었다.


The kings of the earthly world wear crowns of gold, silver and jewels. They strive to wear those complicated crowns that you see in the Louvre in Paris or in Rome’s Vatican, splendid and expensive, so elaborate that one is awed to look upon them. Expression of a position that can only be sustained through invasion, conquest, domination, oppression and control, of those desires. But I think that the true crowns are the ones woven from laurels, garlands of flowers strung together, tied together with brambles. What I wanted to paint was not the kind of crown that celebrates the death of slaves but a crown woven of flowers, accommodating nature, respecting life, thanking the stars-a festival that truly praises you.

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